Dieses Jahr war es echt schwer mit meinen Platten des Jahres. Zum einen lag dies am Zeitmangel. Aber zum anderen auch mit daran, dass das Jahr 2014 in meinen Ohren ein vergleichsweise schwaches Musikjahr war. Noch Mitte des Jahres war ich mir unsicher, ob ich überhaupt in meiner Bestenliate 10 Platten zusammen bekommen würde - doch die zweite Jahreshälfte sah dann zum Glück wesentlich besser aus. Trotzdem bin ich hier nur auf 20 Platten gekommen, da ich durch den besagten Zeitmangel alle Hände voll zu tun hatte, allein schon zu diesen 20 Platzierungen die entsprechenden Texte zu verfassen. So fällt diese Liste nun etwas magerer aus, als in den Jahren zuvor - aber ich hoffe, dass dies nächstes Jahr anders aussehen wird.
Aber hier sind sie also nun also: die meiner Ansicht nach 20 besten Platten des Jahres 2014!
20. KIESZA - "SOUND OF A WOMAN"
Als erstes war da Anfang des Jahres dieser eine Hit, der als Indie-Release überraschend in den weltweiten Charts einschlug: der melodische und am Stil des 90er-House angesiedelte Ohrwurm "Hideaway" von der kanadischen Newcomerin Kiesza. Im Grunde ein perfektes Szenario für zwei völlig gegensätzliche Entwicklungen: entweder der Auftakt für eine große weitere Karriere, oder auch ein potentielles Paradebeispiel für ein One-Hit-Wonder. Doch spätestens mit ihrem diesjährigen Debütalbum "Sound of a Woman" machte sie klar, dass sie letzteres auf gar keinen Fall ist. Denn mögliche Hits gibt es hier in Serie. So etwa der fabelhafte und tatsächliche zweite Hit "Giant In My Heart", der mitreißende Dance-House-Kracher (und offizieller dritter Single-Release) "No Enemiesz" (♪♫♪), das hörbar vom 90er-Dance beeinflusste "The Love", ihre wunderbares, als herzerweichende Ballade neu interpretiertes Cover von Haddaway's Eurodance-Klassiker "What Is Love", die leidenschaftlich in die Synapsen krachende House-Pop-Bombe "Over Myself", oder die schwebende und leicht 80s-orientierte Perle "So Deep". Vermutlich kein Album für die Ewigkeit. Aber im Moment eines meiner Pop-Alben des Jahres.
Auch wenn er mit seiner Band Bloc Party ursprünglich aus den Sphären des Indierock stammt, so hat Frontmann Kele Okereke noch nie einen Hehl daraus gemacht, dass sein Herz vor allem für elektronische Musik schlägt - was man auch immer wieder deutlich im späteren Sound seiner Band bemerkte. Dieser Leidenschaft ließ er in diesem Jahr auch auf seinem zweiten Soloalbum "Trick" freien Lauf - und das offenbarte eine unerwartet tolle Weiterentwicklung. Hier bündelte Kele seine Stärken noch effizienter als auf seinem Solo-Debüt "The Boxer" und schuf ein - wie für ihn ja zum Glück üblich - stark pop-orientiertes Album, das mit einem Sound irgendwo zwischen House, Ambient und Minimal aufwartet, der getragen, oft melancholisch und manchmal auch fast düster ist, dabei aber fast immer gleichzeitig auch tanzbar bleibt. Dabei konzentriert er sich inhaltlich fast schon einem Konzeptwerk gleich mit der Liebe - mit all ihren Stadien und Facetten. Ob nun der erste Eindruck beim Kennenlernen ("First Impressions"), die Euphorie der jungen Liebe ("Coasting"), die Zweifel ("Doubt", ♪♫♪), das leidenschaftliche sexuelle Verlangen ("Stay The Night") oder die schweren Zeiten einer schwindenden Liebe ("Like We Used To"). All das verpackt er in ein in sich geschlossen wirkendes Gesamtwerk, das noch einen ganze Ecke mehr zu begeistern weiß, als es das Debüt gekonnt hat.
Spätestens in diesem Jahr hat mich Taylor Swift endgültig gekriegt. Zwar war auch dem Country-Pop der Vergangenheit immer mal wieder durchaus etwas abzugewinnen - doch vor allem wie sie sich auf ihrem diesjährigen Album "1989" hemmungslos dem Pop in die Arme warf, hatte mein besonderes Interesse geweckt. Denn auch wenn es nicht gerade in weite künstlerische Tiefen vorstößt (aber wann tat das ihre Musik schon jemals?), ist ihr doch eine ganz fabelhafte Pop-Platte gelungen, die mit zu den süßesten Versuchungen ihrer Art in diesem Jahr zählte. Vor allem gemeinsam mit dem schwedischen Produzenten Max Martin (welcher seit 20 Jahren schon Ace of Base, die Backstreet Boys, Britney Spears, Pink oder Katy Perry zu diversen Welthits verhilft), sowie einigen anderen Produzenten und Songwritern, hatte sie hier ein strammes Bündel voller Hits geschnürt - bei denen sich Swift von der Musik ihres Geburtsjahres 1989 hat inspirieren lassen. Und ob nun der Welterfolg "Shake it Off", der unwiderstehlich süße Ohrwurm "Blank Space" (♪♫♪), das mitreißend eingängige "All You Had To Do Was Stay", das herrlich 80s-infizierte "Style", das getragene und die Sphären einer Lana Del Rey streifende "Wildest Dreams", oder der sommerlich unbeschwerte Ohrwurm "How You Get The Girl": die potentiellen Hits schienen ihr und ihren Helfern auf "1989" nur so aus dem Ärmeln zu purzeln. So ist es zwar kein Album, dass ein großes künstlerisches Statement abgibt. Und doch hält sie all das ein, was man sich von einer Pop-Platte wünscht: das sie die Welt für einen kleinen Moment ein wenig schöner macht!
Das der RnB gerade eine gute Phase hat, machte in 2014 auch die amerikanische Newcomerin Tinashe deutlich, die mit ihrem Debütalbum "Aquarius" von vielen unbemerkt eines der schönsten Versuchungen des zeitgenössischen RnB abgeliefert hat - der sich hervorragend in die derzeitige PBR&B-Tradition á la Frak Ocean, FKA twgis, Janelle Monaé oder The Weeknd einreiht. Der jungen Dame gelang hier ein Album, dass Anspruch und Qualität mit Hits verbindet. Das kann dann auch mal atmosphärischer klingen, wie etwa im grandiosen "Bet", das gen Ende in einem epischen Gitarrensolo mündet. Doch die Hits begegnen einem hier in unterschiedlichen Gestalten: mal als die geschmeidige erste Single "2 On", aber auch mal in Form der großartigen und melancholisch-melodischen RnB-Pop-Perle "Pretend" (♪♫♪), des famosen und minimalistisch dancig veranlagten Ohrwurms "All Hands On Deck", des wunderbaren und melodisch getragenen "Far Side Of The Moon" oder des elektronisch gewürzten RnB-Pop-Hits "Wildfire". Vielleicht kein Genre-Meisterwerk, aber dennoch ein wahrhaft gelungenes Album - und für mich einer der süßesten RnB-Pop-Momente des Jahres!
Anfangs haderte ich ein klein wenig mit "Our Love", der neuesten Kopfgeburt des kanadischen Elektro-Musikers Dan Snaith. Diesmal - wie schon so oft - unter dem Namen Caribou. Schon seine letzte Platte unter dem Namen Daphni hinterließ mich etwas ratlos, wohingegen das letzte Caribou-Album bei mir ganz besonders kräftige Wurzeln schlug. Nicht, dass mir nun "Our Love" in diesem Jahr missfallen hätte. Nur irgendwie schien bei mir nicht ganz so der Funke über zu springen, wie er dies 2010 mit "Swim" geschafft hatte. Die nervösen Grooves, die experimentellen Ecken und Kanten, waren auf "Our Love" einem warmen und harmonischeren Sound gewichen, den man auch fast fluffig nennen könnte. Und doch konnte ich nicht allzu lange die wahre Schönheit hinter dem Album übersehen. So mag "Our Love" etwas glatter klingen als alles, was Snaith in den Jahren zuvor so gemacht hat - und doch steckt nicht weniger Herz und Seele darin. So hat er hier eine Reihe wunderbarer kleiner Elektro-Pop-Perlen geschmiedet, die in ihrer Darbietung durchaus variieren können - und in denen digitale und analoge Klänge zu kleinen, überwiegend warmen und optimistisch geflavourten Hymnen verschmelzen. Die sich langsam, aber letztendlich zu gewaltigen Höhen hinauf schraubende Elektro-Pop-Hymne "Can't Do Without You" (♪♫♪), führt das zum Einstieg schon perfekt vor. Und auch weitere Kostbarkeiten, wie das schillernde und melodisch schwebende "Second Chance", das tanzbar beatige "All I Ever Need", das rhythmische und hypnotisch daher flötende "Mars" oder das atmosphärische und eindringliche "Back Home" kann man hier finden - nebst einigen anderen, versteht sich. Denn Dan Snaith beherrscht auch hier sein Handwerk nahezu perfekt und präsentiert sich mal wieder mehr als gelungen in einem etwas anderen Klangkostüm.
Für guten Elektro war ich ja irgendwie schon immer gern zu haben - und damit versorgte der Ire Richard D James unter dem Namen Aphex Twin überwiegend die 90er Jahre. Nachdem er in den 2000ern an diversen anderen Projekten und Veröffentlichungen tüftelte, sollte in diesem Jahr das große Comeback anstehen, als er mit "Syro" das erste Aphex-Twin-Album seit 13 Jahren veröffentlichte. Denn mit kreativen, verspielten, teils minimalistischen, aber zugleich auch komplexen elektronischen Klängen, kann er den Tracks des Albums ein solches Leben einhauchen, welche ihre kühl und digital klingenden Titel nicht vermuten ließen. So etwa die filigran melodische Single "minipops 64 [120.2]" (♪♫♪) oder der 10-minütige, verschachtelte und getragene Epos "XMAS_EVET10 [120]". Das wunderbar oldschoolige und leicht düster angehauchte "produk 29 [101]" entfaltet eine enorm hypnotische Wirkkraft, "4 bit 9d api+e+6 [126.26]" fasziniert als vielschichtiges und atmosphärisches Elektro-Meisterstück, und "CIRCLTON6A [141.98]" kommt ein wenig forscher, nicht minder famos und zudem mit wundervoll angestaubten Nintendo-Sounds daher. Es ist aber vor allem die Essenz all dessen, was Richard D James hier an Ideen und Sounds zusammen getragen hat, was so fasziniert. Ein großes Gesamtkunstwerk, das man einfach selbst erlebt haben muss - denn so eine Soundwundertüte sollte man sich nicht entgehen lassen.
14. JAMIE T - "CARRY ON THE GRUDGE"
Was man bislang von dem britischen Talent Jamie T zu hören bekam, war ja schon außergewöhnlich - und auch außergewöhnlich gut! Tief verwurzelt im weißen britischen HipHop, wie er vor ihm vor allem von The Streets berühmt wurde, doch immer noch eine ganze Ecke stärker durch diverse andere Stile angereichert, die von Indierock bis Psychedelia reichten. Auf seinen ersten beiden schwindelerregenden Platten "Panic Prevention" (2007) und "Kings & Queens" (2009) verfuhr er so - und dann war erstmal Ruhe im Karton. Ganze geschlagene 5 Jahre sollte es von da an dauern, ehe ein neues Album das Licht der Welt erblickte. Und "Carry on The Grudge" unterscheidet sich auch stilistisch relativ deutlich von seinen Vorgängern. Und ist dennoch nicht minder großartig. Die HipHop-Bezüge sind hier nahezu verschwunden, während er aber weiterhin seine Kunst mit gewohnt facettenreichen Klängen und wunderbaren Melodien zelebriert. Der Opener "Limits Lie" etwa startet als herrlich leidenschaftliche Indiepop-Perle mit leichter 60s-Schlagseite in das Album, gibt den Stab weiter an die famose und atmosphärische erste Single "Don't You Find", ehe das melancholisch schöne und soft folkig veranlagte "Turn On The Light" (♪♫♪) seinen großen Auftritt hat. Und danach hat er dann u.a. auch noch den tanzbaren und gut gelaunten Indierock-Ohrwurm "Zombie", das warme, blumige und britpopige "Mary Lee", den zackig mitreißenden Indierock-Ohrfänger "Rabbit Hole", oder die romantische und zärtliche Folk-Pop-Ballade "Love Is Only a Heartbeat Away" zu bieten.Und so ist dem Briten nach etwas längerer kreativer Pause und einer musikalischen Kurskorrektur, wieder einmal ein herausragendes Album gelungen, dass einem mit Sicherheit lange im Fell hängen bleiben wird.
13. TODD TERJE - "IT'S ALBUM TIME"
Man kann es nur als herrlich bezeichnen, was der norwegische DJ, Songwriter und Produzent Terje Olsen alias Todd Terje in diesem Jahr auf seinem Debütalbum so angestellt hat - welches er nach einer bereits fast 10-jährigen Karriere aus mehreren EP's, Compilations, Remixen, Singles oder Kooperationen mit anderen Musikern (er co-komponierte Robbie Williams' 2012er Hit "Candy" und co-produzierte einige Sücke des letztjährigen Albums von Franz Ferdinand) nun folgerichtig als eine Art große Ankündigung betitelte: "It's Album Time"! Und das ließ man sich hier nicht zweimal sagen - denn es ist ein ganz und gar famoses Album geworden. Das Grundgerüst bilden hier ganz offenkundig die beiden ältesten Songs: die epische, melodische und großartige 2012er Elektro-Space-Disco-Bombe "Inspector Norse", sowie das sommerlich tanzbare, einnehmend discoide und mit einem unwiderstehlich funky Groove angereicherte "Strandbar", das im letzten Jahr als Single erschien. Und um eben diese beiden Nummern hat der Norweger hier mit "It's Album Time" ein fast perfektes elektronisches Album herum gebaut, das seiner kühlen Heimat kaum gerecht wird. In einer von Grund auf optimistischen Atmosphäre, vereint er hier Electronica-, (Space-)Disco-, Synthpop- und ein paar eingestreute Bossa Nova-Elemente zu einer warmen, atmosphärischen und homogenen Klangcollage, die aber dennoch mit Funken sprühender Kreativität aufwartet. So kann man hier schillernden und mit Streichern angereicherten Klängen wie auf "Preben Goes To Acapulco" lauschen, "Svensk Sås" kann wunderbare Urlaubsstimmung entfachen, beim großartig spacigen Synth-Elektropop-Spektakel "Delorean Dynamite" (♪♫♪) ruft nicht nur der Songtitel gewisse retrofuturistische 80er-Erinnerungen wach, mit Brian Ferry am Mikro hat er zudem ein fabelhaftes Cover des 80s-Klassikers "John And Mary" von Robert Palmer im Gepäck und "Oh Joy" erweist sich als großartig melodischer und hymnischer Retro-Elektro-Pop. Eine Platte, in die man sich verlieben kann.
Man muss es einfach so sagen: Ryan Adams ist ein großartiger Musiker. In regelmäßigen Abständen setzt er hervorragende Platten in die Welt, von denen mir persönlich immer ganz besonders "Love is Hell" und "Cold Roses" am Herz lagen - kein Wunder also, dass sein diesjähriges 14. Studioalbum wieder einmal bei mir besonders Gefallen fand, welches er ganz schlicht nach sich selbst "Ryan Adams" benannte. Denn es steht stilistisch ganz im Geist eben solcher Platten. Hier sind sie wieder, diese großen Gefühle und Melodien, eingebettet in diese atmosphärischen und zumeist eher melancholisch gefärbten, zeitlos anmutenden Rock-Klänge, wie sie so viele bei Adams lieben. Exemplarisch dafür steht schon die erste Single: das herrlich melodische, nachdenklich veranlagte und von schillernden Orgeln untermalte "Gimme Something Good" (♪♫♪). Und in jede Ecke und in jeden Winkel man auf seinem neuen Album auch schaut, man wähnt sich sofort in einem weiteren Klassiker des rastlosen Musikers. Das gelingt ihm etwa mit der beherzten Perle "Kim" oder dem wunderbaren "Am I Safe", die man sich auch gut auf "Love Is Hell" hätte vorstellen können. Oder mit der wunderschönen und traurigen Ballade "My Wrecking Ball", die fast ausschließlich von einer zärtlichen Akustikgitarre untermalt wird - und recht lebhafte Erinnerungen an "Cold Roses" wecken kann. Großartig macht sich auch das noch etwas leidenschaftlicher agierende "Stay With Me", ebenso wie auch das leicht psychedelisch umwehte und melancholische "Shadows", denen man ohne weiteres schon jetzt den "Klassiker"-Stempel aufpappen kann. Aber das gilt eben auch für das gesamte Album, das einen emotional wahrhaft zu fesseln vermag.
11. AZEALIA BANKS - "BROKE WITH EXPENSIVE TASTE"
Ganze 3 Jahre musste man auf das Debüt der amerikanischen Musikerin Azealia Banks warten - eine Zeit, in der sie uns mit einigen Singles, EPs und einem Mixtape fütterte, die einen aber auch nur noch hungriger machten. Doch Ende diesen Jahres hat Miss Banks es endlich geschafft - und veröffentlichte "Broke With Expensive Taste" sogleich ohne jegliche Vorankündigung! Im Grunde ist ihr Debüt genau das geworden, was man sich von der jungen Frau auch erhofft hatte - und was das ist, lässt sich gar nicht so leicht in Worte packen. Wollte man versuchen zu umschreiben, welche Art von Musik Miss Banks macht, wäre es vermutlich leichter zu sagen, welche Art von Musik sie NICHT macht. Schon immer tanzte sie auf diversen Hochzeiten, experimentierte in die verschiedensten und gegensätzlichsten Richtungen. Und das manifestiert sich auch ganz deutlich auf ihrem Debüt: kein Song klingt wie der andere, aber jeder einzelne Song klingt zu 100% nach Azealia. Sie schleudert uns hier Hits der unterschiedlichsten musikalischen Couleur um die Ohren, als würde es dabei um ihr Leben gehen. Ob nun die famose und melodisch-beatige Debütsingle "212", das elektronisch unterkühlte "Heavy Metal and Reflective", das sich zur waschechten und leidenschaftlichen Latino-Nummer mausernde "Gimme a Chance", die düster-melodische HipPop-Perle "Ice Princess", das nahezu radikale und elektronisch stampfende "Yung Rapunxel", der famose und eingängige Dance-House-Pop-Kracher "Chasing Time" (♪♫♪), der von Ariel Pink co-komponierte und gut gelaunte Surf-Pop-Ohrfänger "Nude Beach A-Go-Go", oder so herrlich von House, Electronica und Pop geküsste Nummern wie "Miss Amor" und "Miss Camaraderie". Man sagt ja so schön, dass zu viele Köche den Brei verderben - und allzu oft kommt das am Ende auch hin. Doch bei Miss Banks ist es durchaus keine Überraschung, dass sie auch hier die Ausnahme der Regel darstellt. Denn fast jeder Song des neuen Albums entstand mit einem anderen Produzenten, während sie zudem auch mit Samples nur so um sich wirbelt. Das klingt auf dem Papier womöglich wie ein großes buntes Kuddelmuddel. Und irgendwie ist es das auch. Aber dafür das spannendste und kreativste Kuddelmuddel, das der Pop in 2014 zu bieten hatte.
Zugegeben: anfangs hab ich mich nicht so recht an die gerade heiß umfeierte österreichische Band Wanda und ihr Debütalbum "Amore" heran gewagt - viel zu sehr schreckten mich die ewigen Falco-Vergleiche ab, die in Bezug auf die Band derzeit gerne gebetsmühlenartig wiederholt werden. Ganz so, als würde es keine anderen musikalischen Referenzen in Österreich geben, als Falco - der mich zudem noch nie so wirklich hinter dem Ofen hervor locken konnte. Aber nachdem ich mich dann doch einmal der Platte der Jungs aus Wien gewidmet hatte, merkte ich schnell, dass meine Ohren hier (zum Glück!) keine Ähnlichkeiten zu Falco ausmachen können. Stattdessen präsentierte sich mir eine selbstbewusste, lockere und verdammt talentierte Band - die hier mit maximaler Spielfreude, einer ordentlichen Portion Leidenschaft und ein paar augenzwinkernden kleinen Provokationen, ein Dutzend mitreißender Ohrwürmer zusammen geschmissen hat, die sich gemeinsam zu einem fast schwindelerregend guten Debüt zusammen fügen. Angefangen mit dem Opener und geradezu hymnischen und eindringlichen Hit "Bologna" (♪♫♪), der sich schon auf Anhieb mit so einer perfekten Passform in die Synapsen schmiegt, dass man ihn fraglos zu einem der Songs des Jahres ausrufen will. Und danach führt uns hier der Weg über das in herrlich bunten Farben schillernde "Jelinka", die melodisch schunkelnde Single "Auseinandergehen ist schwer", den fast schon funky tanzbaren Indierock-Ohrfänger "Kairo Downtown", das mit einem leicht melancholischen Beigeschmack spielende "Stehengelassene Weinflaschen", oder den verdammt fabelhaften Ohrwurm "Schick mir die Post", der mich irgendwie immer wieder unterschwellig an die Beatles erinnert - und führt bis hin zu weiteren Highlights, wie das ein wenig in Richtung Britpop schielende "Bleib wo du warst" oder der beherzte Pop-Rock-Schunkler "Das es uns überhaupt gegeben hat". Aber hier könnte sowieso jeder Song für sich ein Hit sein - und gerade das ist es, was "Amore" noch einmal ganz besonders auszeichnet. Für diese Band kann man sich nur eine große und lange Zukunft wünschen.
9. ARIEL PINK - "POM POM"
Der amerikanische Musiker und Multi-Instrumentalist Ariel Pink, war schon immer wunderbar anders, unangepasst und eigenwillig - aber dabei in künstlerischer Hinsicht hochgradig liebenswert. Denn was der Herr uns zusammen mit seiner Stammband als Ariel Pink's Haunted Grafitti immer wieder musikalisch kredenzte, konnte einen des öfteren gewaltig staunen lassen. Zuletzt etwa 2012 mit ihrem bisher letzten Album "Mature Themes". Und in diesem Jahr hat Ariel Pink so etwas wie sein erstes tatsächliches Soloalbum nachgelegt: das grandiose "Pom Pom". Denn so schlicht das Album optisch auch anmuten mag, so facettenreich, schillernd, ekstatisch, leidenschaftlich und eindringlich ist es musikalisch. Wie eine prall gefüllte, psychedelisch glitzernde Wundertüte, der so unablässig Songs der unterschiedlichsten stilistischen Ausprägungen entschlüpfen, dass einem vor Freude ganz schwindelig werden kann. Mal begegnet man so einem dynamischen und facettenreichen Psychedelic-Rock-Feuerwerk wie "White Freckles" (♪♫♪), dann wieder atmosphärisch düsteren Meisterstreichen wie "Four Shadows", melancholisch veranlagten New-Wave-Köstlichkeiten wie "Lipstick", 60s-infiziert daher dengelndem Pop á la "Nude Beach A-Go-Go" (das er zusammen mit Azealia Banks komponierte, weshalb auf ihrem diesjährigen Debütalbum auch eine eigene Version des Songs enthalten ist), oder herrlich bunten und experimentelle Haken schlagenden Klängen wie in "Dinosaur Carebears". Wer sich einmal durch diesen Brocken von einem Album aus 17 Songs innerhalb von mehr als einer Stunde Spieldauer gearbeitet hat, der möchte "Pom Pom" mit Sicherheit trotzdem gleich noch einmal von vorne hören. Denn Ariel Pink's erstes Soloalbum entwickelt einen unwiderstehlichen Suchtcharakter, dem man sich nur allzu gerne hemmungslos hingibt.
8. MAC DeMARCO - "SALAD DAYS"
Oft sind es die experimentellen, die verschrobenen und die innovativen Klänge, welche besonders heraus stechen und am prägnantesten haften bleiben. Aber manchmal sind es auch die auf den ersten Blick womöglich etwas unscheinbaren Platten, die sich aber verdammt lange hängen bleiben. Die eben gekommen sind, um zu bleiben. Zu dieser Sorte zählte in diesem Jahr "Salad Days", das zweite Album des kanadischen Singer/Songwriters Mac DeMarco. Und irgendwie ist es mehr, als nur ein Album - alles riecht und schmeckt hier nach einem Klassiker...einem zukünftigen Klassiker, wenn man so will. Hier gießt er uns eine Reihe atmosphärischer, warmer und melodieverliebter kleiner Songjuwelen in die Ohren, das einem ganz wohlig werden kann. Mit leichten, oft luftigen, nicht selten leidenschaftlichen, ein wenig psychedelisch hallenden, wunderbar denglenden und stets melodischen Gitarrenklängen, sowie seinem unaufgeregten Gesang, hat er hier so manch famosen Song erschaffen. Das geht mit dem verträumten Titelsong und Opener "Salad Days" los, führt über atmosphärische Kostbarkeiten wie "Brother", oder zeitlos schöne Singer/Songwriter-Perlen á la "Let Her Go", und geht bis hin zum psychedelisch schillernden "Passing Out Pieces" oder dem grandiosen, von einer großartigen Synthie-Melodie begleiteten "Chamber of Reflection" (♪♫♪). Ein warmes, verführerisch melodisches, manchmal auch ein wenig melancholisches, aber stets zeitloses Album, das voll und ganz von einem Gefühl der Freiheit und Leichtigkeit durchdrungen ist. Besser kann ich es einfach nicht in Worte fassen - am besten ist sowieso, man hört (und verliebt sich) selbst.
7. ALT-J - "THIS IS ALL YOURS"
Wie doch die Musikwelt aus dem Häuschen war, als vor zwei Jahren das Debütalbum "An Awesom Wave" der britischen Band Alt-J erschien - und das vollkommen zurecht, schuf die Band damit doch ein Meisterwerk, das strahlend, experimentierfreudig, eigen und eingängig zugleich war. Ein Album voll von Hits, auch wenn sie nicht immer von der konventionellsten Art waren. Diesen ganz eigenen Weg ging die Band dann dieses Jahr mit ihrem Zweitwerk "This Is All Yours" konsequent weiter - und machte erneut deutlich, wieso sie so einzigartig in der zeitgenössischen Pop-Landschaft sind. Denn sie trauen sich noch immer eine Menge. Etwa wieder einmal eine facettenreiche und eindringliche Indiepop-Hymne mit dem unscheinbaren Titel "Intro" zu versehen, in einem wunderbaren Stück wie "Nara" Textzeilen wie "I'm gonna marry a man like no other man" zu verwenden, oder in der famosen Lead-Single "Hunger of the Pine" ein sich stetig wiederholendes Sample von Miley Cyrus einzubauen, ohne das sie sich auch nur ansatzweise dafür schämen müssten. Im Gegenteil, will man sogar sagen. Ein andern mal lassen sie mit "Warm Foothills" eine ganz wundervolle Folk-Pop-Perle vom Stapel, in der Conor Oberst (Bright Eyes), Lianne La Havas, Marika Hackmann und Sivu beim Gesang aushelfen - und sich dabei beinah Wort für Wort abwechseln. "Every Other Freckle" (♪♫♪) ist wieder einer dieser unwiderstehlichen und dennoch auch irgendwie unkonventionellen Hits der Band und "Left Hand Free" zeigt sich deutlich vom Southern Rock beeinflusst. Zwar sind auf Album No.2 die Songs nicht mehr ganz so sehr auf Anhieb greifbar, wie noch auf dem Debüt - doch dadurch fällt das Endresultat keineswegs weniger fesselnd aus. Vielmehr hat die Band mit "This Is All Yours" wohl das denkbar beste Album geschaffen, dass ihnen nach einem Killer-Debüt wie "An Awesome Wave" überhaupt möglich war.
6. BECK - "MORNING PHASE"
Ich war einst ca. 14 Jahre jung, als mir Beck vor gut 20 Jahren mit seinem ersten Hit "Loser" als eine Art schloddriger Antiheld ins Bewusstsein rückte - und seitdem auch stets präsent blieb, so wie er auch zuletzt nicht nur mich mit seinem bislang letzten Album "Modern Guilt" zu begeistern vermochte. Aber dann verlor man ihn doch ein wenig aus den Augen. Künstlerisch blieb Beck zwar nicht untätig, aber dennoch sollte es geschlagene 6 Jahre dauern, ehe er in diesem Jahr mit "Morning Phase" endlich wieder ein Album einspielte. Aber das ist wieder einmal so wundervoll geworden, dass es die lange Wartezeit definitiv wert war. Dem vergleichsweise sehr facettenreich und experimentierfreudiger produzierten Vorgänger, stellt er dabei aber im Kontrast wieder eine ruhige, sehr akustisch anmutende, warme und zurückgenommene Folk-Pop-Platte entgegen - welche in einer Tradition mit seinem famosen 2002er Werk "Sea Change" verstanden werden will. Doch das neue Album konnte auch ohne derartige Vergleiche auf ganzer Linie überzeugen. Hier stehen nicht die soundästhetischen Raffinessen und Experimente im Vordergrund, sondern die Melodien und Harmonien. Und was für zeitlos wunderbare Stücke sind ihm hier doch aus dem Ärmel gepurzelt, die einem immer wieder tief unter die Epidermis krabbeln. So kann die Single "Blue Moon" schon heute als Folk-Pop-Klassiker durchgehen, das fabelhafte "Morning" ist dann so etwas wie die musikalische Entsprechung der ersten Sonnenstrahlen die am Morgenhimmel glitzern, "Wave" zeigt sich ebenfalls als zeitlose Perle, in der Beck's nahezu bedächtige Vocals auf schwebenden Streicherarrangements daher gleiten,"Turn Away" (♪♫♪) nimmt einen mit seiner wunderschönen, tief in die Seele des Hörers tauchenden Melodie und seiner schlichten akustischen Eleganz gefangen, und "Country Down" begeistert als warmes Country-Folk-Pop-Meisterstück, das mit einer außerordnetlich schönen Melodie glänzt. Ein ganz wunderbares Album, das man auch ohne weiteres ein Meisterwerk nennen darf.
5. LANA DEL REY - "ULTRAVIOLENCE"
Kein Wunder, das Lana Del Ray ein kleines Pop-Phänomen unserer Zeit darstellt. Gut umgesetzt, hat es sich im Pop schon immer bewährt, auf ein spezielles Konzept zu setzen. Das tat auch die junge Amerikanerin vor 2 Jahren mit ihrem Major-Debüt "Born To Die" und der bald darauf nachgelegten EP "Paradise" - und füllte damit auf Anhieb eine musikalische Nische aus, die vor ihr lange Zeit gänzlich unbesetzt war: in verführerischen und immer etwas düsteren Klängen, verherrlicht sie eine nostalgische und dunkle Romantik, in der sie mit den Merkmalen eines eigentlich längst vergangenen Amerikas kokettiert. Doch künstlerisch hat sie das - trotz ihrer bisher durchaus beachtlichen Leistungen - nie so nahezu perfekt auf den Punkt gebracht, wie auf ihrem diesjährigen Album "Ultraviolence". Noch konzentrierter, kunstvoller und schlüssiger, noch verführerischer, dunkler und zeitloser klingt das, was sie uns hier gezaubert hat. Gemeinsam mit Produzent Dan Auerbach (The Black Keys) ist ihr hier ein fast schon atemberaubend schönes Meisterstück gelungen, dass man so von ihr wohl kaum erwartet hatte. Da betrachte man nur mal so Eckpunkte wie das atmosphärische und hypnotische "West Coast" (♪♫♪), den schattigen und psychedelisch wundervollen Epos "Cruel World", das düster-melancholische und verführerisch schöne "Pretty When You Cry", das stellenweise majestätische und feierliche "Money Power Glory", die blumige und zugleich schwermütige Perle "Shades of Cool", das verträumte und schwelgerische "Brooklyn Baby", oder die zeitlos schöne und erhabene Ballade "Old Money". Und dennoch sei dem Leser die wirklich lohnenswerte Deluxe-Edition des Albums empfohlen, die zudem mit weiteren Perlen wie "Black Beauty" oder auch "Florida Kilos" aufwarten kann. Mit "Ultraviolence" hat es Lana Del Rey völlig zurecht so hoch in diese Liste geschafft - denn Dank dieses Albums, wird man die Amerikanerin künstlerisch wohl künftig noch viel ernster nehmen müssen, als man dies zuvor getan hat. Ganz großes Kino.
4. NENEH CHERRY - "BLANK PROJECT"
Heutzutage kann man ja manchmal schon froh sein, wenn sich jemand noch an Neneh Cherry erinnert. Nachdem die Schwedin in den späten 80ern mit Songs wie "Buffalo Stance" oder "Manchild" weltweite Hits landete, in den frühen 90ern Massive Attack finanzielle Starthilfe leistete und kurz darauf noch große Erfolge mit "7 Seconds" (im Duett mit Youssou N'Dur) oder "Woman" feierte, verloren sich die Spuren für die meisten. Nachdem sie daraufhin bei ihrem TripHop-Nebenprojekt CirKus unter geschlüpft war und zwischendurch für Gesangseinlagen bei den Gorillaz ("Kids With Guns") oder Kleerup ("Forever") vorbei schaute, war das erste richtige Lebenszeichen vor wenigen Jahren das Free-Jazz-Cover-Album "The Cherry Thing", in Kooperation mit dem schwedisch-norwegischen Jazz-Trio The Thing. Doch in diesem Jahr geschah das fast unglaubliche und Neneh Cherry veröffentlichte ihr offizielles viertes Studioalbum "Blank Project". Und das kam mit einer derartigen Qualität daher, dass sich das Warten von 18 Jahren (!) auf ein neues Album der Dame voll und ganz gelohnt hat. Aber auch in einem stilistisch ganz ungewohnten Gewand. War sie bei ihrem letzten Soloalbum schon nahezu im Mainstream-Pop angekommen, steht "Blank Projekt" in einer ganz anderen Tradition. Zusammen mit dem Elektro-Musiker Four Tet als Produzent, lässt sie sich hier von minimalistischer bis experimenteller Elektronik unterstützen. Mal funktioniert das wie im Opener "Across The Water" nur auf spartanische Beats gestützt, dann wieder mit minimalistischer Elektronik und polterndem Rhythmus, wie im Titelsong "Blank Project" (♪♫♪), bei "Naked" verbinden sich atmosphärisch minimalistische Produktion und Neneh's famoser Gesang zu einer fast zeitlosen Hymne, "422" offenbart uns eine getragene und hypnotische, von sanften Steeldrums begleitete Perle, und mit "Out of the Black" gibt's einen zum Teil analog klingenden Elektropop-Ohrwurm im Duett mit Robyn. Eigentlich hat man ja vorher gewusst - oder wenigstens gehofft - das ein neues Album von Neneh Cherry mit Sicherheit gut werden würde. Aber das sie nach 18-jähriger Solo-Pause mit ihrem persönlichen Meisterwerk zurück kehren würde, hätte man dann wohl doch nicht geahnt.
Wer meinen Blog ein wenig verfolgt, dem wird wohl aufgefallen sein, dass ich nicht müde werde zu betonen, wie verdammt mies es weiten Teilen des R&B vor allem seit den 00er Jahren ging. Doch die Zeiten haben sich geändert - und damit auch die Spielregeln des R&B, der heute so kreativ klingen kann, wie nur selten zuvor. Eines der jüngsten Beispiele dafür, ist das diesjährige Debütalbum "LP1" der britischen Musikerin FKA twigs. Und es ist eine wahrhaft wundervolle und nicht selten gar atemberaubende Platte, die zeigt, dass es dem RnB wieder ganz hervorragend geht. Oft wird es aber auch in den PBR&B oder Alternative-R&B eingeordnet, was die Dame allgemein so treibt - und womit sie sich in eine ähnliche Tradition anderer junger Musiker wie Frank Ocean, The Weeknd oder Janelle Monaé einreiht: klassischer bis zeitgenössischer R&B, der aber kreativ mit allerlei bunten Zutaten, unterschiedlichen Stilen und auch unkonventionellen Strukturen experimentiert, und so zu einer ganz neuen Bedeutungsebene findet. Mit einem faszinierenden Gespür balanciert die Dame auf "LP1" geschickt auf den Schnittlinie zwischen Kunst und Pop, gießt dem Hörer zartschmelzende Melodien in die Ohren, während sie mit elektronisch geprägter Produktion und allerlei kleinen Effekten kunstvolle Akzente setzt. Dabei finden sich dann so musikalische Kostbarkeiten wie das atmosphärische und getragene "Lights On", die fantastische, von softer Elektronik unterfütterte Hymne "Two Weeks" (♪♫♪), das sinnliche und minimalistische, aber dennoch eindringliche "Hours", das eine Spur eingängiger ausgefallene und zum waschechten Hit gereichende "Video Girl", das atmosphärisch einnehmende "Closer", oder das auf seine sanfte, getragene Art und Weise facettenreiche und epische "Kicks". Und trotzdem ist es auch hier wieder die Gesatmwirkung des Albums, was einem als Hörer endgültig den Rest gibt: wie doch so oft, ist auch hier das Ganze mehr, als die Summe seiner Teile. Und selbst der noch so größte Meckerer und R&B-Feind wird bei "LP1" bedingungslos kapitulieren müssen, angesichts seiner künstlerischen Größe und Qualität, die - in meinen Augen - über jeden Zweifel erhaben sind.
2. D'ANGELO & THE VANGUARD - "BLACK MESSIAH"
Am 15. Dezember 2014 passierte etwas, womit die meisten Menschen wohl kaum gerechnet hatten: nachdem es wiederholt und über Jahre hinweg immer wieder verschoben wurde, erschien nach 14 Jahren (!) quasi urplötzlich das dritte Album des amerikanischen Soul- und Funk-Musikers D'Angelo. Mit seinen ersten beiden, von Hörern als auch Kritikern umfeierten Alben "Brown Sugar" (1995) und "Voodoo" (2000), wurde er zu einem der einflussreichsten Künstler des Neo-Soul - was ihm etwa Spitznamen wie "R&B-Jesus" einbrachte. Für Kenner und Fans des heute 40jährigen sollte es kaum eine Überraschung sein, dass er seiner künstlerischen Genialität auch auf seinem neuen Album treu bleibt - und auch seinen musikalischen Referenzen: denn mit "Black Messiah" hat er ein R&B/Soul/Funk-Meisterstück aufgenommen, wie man es sich eigentlich schon lange von Prince gewünscht hatte. Doch stattdessen schenkt uns nun eben D'Angelo (hier offiziell als "D'Angelo & The Vanguard") diese Perle und (wenn ich mir diese abgedroschene Matapher hier mal erlauben darf) steigt wieder empor wie ein Phoenix aus der Asche. Und trotzdem "Black Messiah" die Gesamtwirkung einer sinnlich würzig duftenden und leidenschaftlich dampfenden Soul-R&B-Funk-Brühe erzeugt, so ist es dennoch facettenreich. Mal geht er wie auf "Ain't That Easy" unaufgeregte und funky-melodische Wege, während sich das fabelhafte "1000 Deaths" deutlich grooviger und komplexer arrangiert zeigt, zeitweilig fast skizzenhafte Züge aufweist, aber im Refrain dann als famoser Epos erstrahlt. "The Charade" (♪♫♪) erweist sich als verführerisches und unwiderstehlich süßes R&B-Meisterstück (bei dem unweigerlich wieder Erinnerungen an die großen Momente des bereits genannten Funk-Zwerges aufflammen), in "Sugar Daddy" trippelt er im Stepptanz über stimmungsvoll leichtfüßige Pianos und Bläser, und "Really Love" vereint sanfte Gitarren, Streicher und leidenschaftlichen Gesang zu einem weiteren jungen Klassiker - was als Prädikat aber auch absolut zum großartigen "Another Life" passt, welches das Album abschließt.
Das in den letzten Tagen eines Musikjahres völlig unerwartet eine bereits fast vergessene Größe zurück kehrt, und selbiges einmal kräftig von hinten aufrollt, erlebt man nun wirklich nicht alle Tage. So ein großes Album wie "Black Messiah" allerdings garantiert auch nicht.
1. PERFUME GENIUS - "TOO BRIGHT"
Doch auch deutlich pop-orientiertere und noch komplexer arrangierte Stücke hat er hier zu bieten, die in seinem Klang-Universum bisher gänzlich unbekannt waren - und die er dennoch grandios beherrscht. Deutlich zu hören etwa in der ersten Single "Queen", die ganz hervorragend als fast schon optimistisch anmutende, leicht barock angehauchte Indie-Pop-Nummer durchgeht. Im großartigen "Fool" offenbart sich uns zuerst eine melodisch schunkelnde Synthie-Perle, die sich nach einem sakral-schwebenden Mittelteil in einen fingerschnippenden Pop-Song verwandelt. Die zweite Single "Grid" zeigte sich auch mehr in Richtung Pop schielend, um diese Eingängigkeit aber sogleich durch einige eigenwillige und schrille Akzente wunderbar zu sabotieren. Und "Longpig" erweist sich als facettenreiches Synthie-Elektropop-Meisterstück, das soundästhetisch ein wenig an Musiker á la Kavinsky zu erinnern vermag. .
Und dann ist da noch eine andere, extrem dunkle Seite von Perfume Genius, die er in dieser Radikalität zuvor auch nie zum Ausdruck brachte. So etwa im großartigen und düster hymnischen "My Body", welches stellenweise ein wenig gen Industrial schielt, oder im getragenen und auf nahezu verstörende Art und Weise todtraurigen "I'm a Mother" - in das aber immer wieder ein paar sanfte Sonnenstrahlen hinein zu fallen scheinen. Das alles macht aus "Too Bright" ein dunkles und melancholisches, aber zugleich auch enorm schillerndes und experimentierfreudiges Werk, dass in meinem Musikjahr 2014 so prägnant hervor stach und so tiefe Wurzeln schlug, wie es kein anderes vermochte. In meinen Ohren ein wahres Meisterwerk und ein Album für die Seele.
